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10 Artistas que no te puedes perder en la Semana del Arte.

10 artistas imprescindibles en las ferias satélite a ARCOMadrid

Como cada año Madrid concita a artistas, profesionales y amantes del arte en general durante la Semana del Arte.

Del 26 de febrero al 3 de Marzo la ciudad se llena de eventos artísticos.  De Art Madrid a Hybrid Fair pasando por  JustMad, Drawing Room o Urvanity.

Son días intensos que parece que no vayan a acabar nunca y que cuando terminan tienes esa sensación de que todo ha ido muy, muy deprisa.

Buen momento para descubrimientos, incluso, porqué no, para comenzar esa pequeña colección en la que siempre estamos pensando.

Aunque no hagas otra cosa de ir de feria en feria, te aconsejamos que te organices, nosotros ya lo hemos hecho, y aún así, seguro que nos perdemos un montón de propuestas, así que te hablamos de unas cuantas que no te puedes perder.

Josep Tornero y Mònica Subidé en Art Madrid

Art Madrid celebra este año su 15ª edición. Tendrá lugar en su ubicación acostumbrada, la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles.

Del 26 de febrero al 1 de marzo se darán cita 41 galerías, 27 expositores nacionales y 14 extranjeros procedentes de 9 países, y casi 200 artistas. Su programa One Project ha sido comisariado por Fernando Gómez de la Cuesta. El comisario y crítico de arte ha apostado por transformarlo en un ámbito de diálogo y conflicto. Diez  artistas compartirán espacio, dos a dos, bajo el título La cage aux fauve. 

Josep Tornero

De la mano de Shiras Galería llega a Art Madrid, Josep Tornero (Manises, 1973). El artista desarrolla sus trabajos en una paleta restringuida al blanco, negro y una variada gama de grises en óleo sobre tabla, lino o lienzo.

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© Josep Tornero. ST. 2020.

Que su creación es inquietante lo evidencian sus obras, una figuración que parece derretirse o quizá fugarse ante la mirada del espectador. Josep Tornero con sus cuidadas obras nos pone en la tesitura entre imaginar y enfrentarnos a la realidad de la vida.

De entre los temas que trata, el miedo que nos atenaza es quizá el más abrumador y el que mejor nos devuelve a lugares que quizá debiéramos volver a transitar.

Mònica Subidé

La galería taiwanesa Yiri Arts presenta a Mònica Subidé (Vilassar de Mar, Barcelona, 1974) quien se decanta por la figuración para recrear un mundo propio, intenso y llego de emoción.

Su técnica pictórica se ha desarrollado de manera casi autodidacta y ha dado origen a unas obras donde también encontramos collage y fotografía. Centrada en el cuerpo humano, el retrato y en la ubicación de sus personajes en complejos espacios en los que escenifica temas como el deseo,  los sueños, la memoria y el tiempo.

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© Mònica Subidé. Children of

La mayor parte de las piezas que presenta en Art Madrid son de medio tamaño, un recurso con el que empuja al espectador a acercarse, centrarse en lo que ve en un íntimo y silencioso momento.

Ana Teresa Barboza y Jose Luis Serzo en JustMAD

Este año sí, JustMad  estrena escenario en el centro de Madrid, el Palacio de Neptuno es el lugar escogido como sede para la que sería su 11ª edición que tendrá lugar del 27 de febrero al 1 de marzo de 2020.

Bajo la direccion artística de la reconocida comisaria Semíramis González contará con 41 galerías a las que se suman 4 instituciones y 2 editoriales. Un evento en el que se hablará de sostenibilidad, medio ambiente, igualdad de género y tecnologías exponenciales.

Ana Teresa Barboza

Nos encantó encontrarnos el pasado año la obra de Ana Teresa Barboza (Lima, 1981) en Arco, ahora la traen a JustMad dos galerías habituales en la feria, La Gran y Espacio Líquido.

Ana Teresa Barboza construye detallados paisajes, plantas y formaciones geológicas. Establece así analogías entre la técnica que utiliza y la estructura de distintos organismos en permanente crecimiento.

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© Ana Teresa Barboza. Vicalnota

Fotografía digital, grafito sobre tela, transfer y la minuciosidad de sus bordados componen delicadas escenas que parecen derramarse del lienzo, y sin perder un ápice de fuerza.

Jose Luis Serzo

Optimista, irónico y nada falto de reflexión, el multidisciplinar Jose Luis Serzo (Albacete, 1977) es un fabulador impecable. Instalación, videocreación, pintura, escultura o dibujo son algunas de las técnicas que utiliza para crear sus “exposiciones-relato”.

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© Jose Luis Serzo. Ensayos para una gran obra II.

Incansable narrador genera universos fantásticos que bien pudieran ser posibles. Mundos nuevos en los que la mejora del individuo y la sociedad sean una realidad. Aunque pudiera parecer que su estilo tiende al barroco clásico, él mismo dice que es más bien “un estilo muy lleno de cosas, muy abigarrado”.

Y es que a Serzo es meticuloso y bastante perfeccionista, lo que sin duda le lleva a recrear esos escenarios en los que no falta detalle y donde te puedes pasar horas imaginando. Una acertada elección del espacio jienense Renace Contemporary Art. También podemos encontrar obra de Serzo en Hybrid Art Fair con su alter ego Blinky R. Rodríguez.

Vinz y Elena Rato en Urvaniy Art

Urvanity Art ​tendrá lugar en el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, su ya habitual ubicación, del 27 de febrero al 1 de marzo 2020.

Casi  30 galerías y más de 90 artistas componen esta cuarta edición, además de su programa especial Muros e Instalaciones, con intervenciones en la ciudad. Murales e instalaciones site-specific en espacios públicos, ubicados fuera de la feria.  Por otro lado, continúan los Urvanity Talks, charlas y mesas redondas que tienen como objetivo generar discusión entorno al Nuevo Arte Contemporáneo y el espacio público.

Vinz

El artista urbano Vinz (Valencia, 1979)  parte de que la desnudez humana es un símbolo de naturalidad y libertad personal. Sus personajes cuentan lo que son.  Personas desnudas con cabezas de pájaros representando la libertad, policías con cabezas de lagarto,  la opresión, peces con trajes de baño a rayas, el consumo excesivo…  Todo un alegato contra el recorte de libertades que supuso la ley mordaza y una alerta clara de la situación social actual.

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© Vinz

En definitiva una clara denuncia de la falta de libertad, la opresión, el consumismo y cierta llamada al regreso a la naturaleza, que llega a Unvanity con la valenciana Furiosa Gallery.

Elena Rato

La misma galería presenta a Elena Rato (Asturias, 1979), a quien también encontraremos este año en Art Madrid. Su paleta de colores es también su seña de identidad, negro, amarillo, cadmio y rosa son los pigmentos que mayoritariamente se encuentran en sus obras. Del expresionismo abstracto en el que se enmarcaban sus primeras creaciones a una pintura que juega con las texturas, intervenciones con fotografías, incluso con visos de collage.

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© Elena Rato. Des Co II. 2019

A Rato le gusta “salirse del marco”, sus manchas negras, a las que ella misma llama Marañas van variando, pasando de lo geométrico a lo orgánico, crecen desbordando el lienzo, ocupando así el espacio expositivo de forma rotunda.

David Benarroch y Fotolateras en Hybrid Art Fair

También Hybrid Art Fair celebra su cuarta edición acogida por su emplazamiento habitual, el Hotel Petit Palace Santa Bárbara. Del 28 de febrero al 1 de marzo de 2020 reunirá más de 100 artistas que mostrarán su trabajo con espacios independientes, en una de las pocas ferias que sigue manteniendo el formato de hotel desplegándose en sus habitaciones y espacios comunes.

La feria sigue apostando por expresiones artísticas arriesgadas y experimentales, y por ofrecer una programación paralela intensa con especial foco en la transdisciplinariedad y en las iniciativas que fomenten el diálogo y una mirada crítica a las realidades del sector.

David Benarroch

Dentro del programa de intervenciones efímeras de artistas independientes de la feria, Displaced, David Benarroch participa en la sección con dos piezas: Midnight bar y Please do not disturb.

La primera es una obra escultórica que deconstruye el concepto de ‘Gentleman’, poniendo en duda el concepto actual de masculinidad y, sobre todo, en Medio Oriente, de donde es oriundo el artista.  La segunda pieza utiliza un pomo como medio para exponer una pintura, tomando de referencia el icónico cartel típico en hoteles y jugando a la vez con el significado polisémico de la palabra ‘Disturb’. Hay que verlo!

Sus esculturas están sujetas a cambios y reestructuraciones durante el proceso de creación en si de forma que la pieza no siempre resulta coherente y clara, lo que no le quita ni un mínimo de contundencia. La obra que mostramos a continuación es un ejemplo patente de lo que nos podemos encontrar en su aportación a la feria.

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© David Benarroch. Butter Issues, 2019

Fotolateras

Marinela Forcadell Breva y Lola Barcia Albacar conforman el colectivo Fotolateras. Dedicadas a la fotografía estenopeica desde 2008, viajan con sus cámaras construidas a partir de latas metálicas, enlatando el mundo. De una manera calmada y serena retienen imágenes de ciudades bulliciosas porque ellas no “disparan”, sino que cocinan sus fotos a fuego lento.

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© Fotolateras

En Hybrid presenta “Negro, rojo y blanco”, un proyecto expositivo itinerante que propone a través del empleo de estos colores, un recorrido por tres zonas diferenciadas que representan los distintos momentos del proceso fotográfico.

El Negro representa la oscuridad necesaria para “cocinar” las fotos, el proceso donde la luz se encuentra con la oscuridad y forma la imagen. El Rojo alude al lugar donde se desarrolla la magia, el laboratorio, donde se lleva a cabo el proceso de revelado y positivado de la foto. El Blanco, la galería llena de luminosidad, con las obras “Ciudades Enlatadas”, junto a piezas seleccionadas de la nueva colección de retratos, realizados con la técnica estenopeica.

Teresa Dias Coelho y Yosman Botero en Drawing Room

Aunque es el evento que menos expositores acoge, la cuidada selección de Drawing Room la convierte en una de las más esperadas durante la Semana del Arte.

Del 26 de febrero al 1 de marzo de 2020, un selecto programa de 16 galerías se dan cita en el Palacio Santa Bárbara. Una quinta edición marcada por la difusión y la valorización del dibujo.

Teresa Dias Coelho

La galería Monumental presenta a Teresa Dias Coelho (Lisboa, 1954). Su trabajo está marcado por lo que un poeta portugués resumió como tiempo de fantasmas, los fantasmas pueden ser de historias individuales o familiares, a las que solo tenemos acceso en los detalles que se nos dan: los pies, los zapatos, las posiciones y las suposiciones que plantean, como de colectivos anónimos de una misma época: retratos de parálisis o de lucha.

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© Teresa Dias Coelho. Turn Again 2.

Si en su pintura la «evidencia figurativa» parece esconder a estos fantasmas de alguna manera, es en el dibujo donde ganan mayor densidad, como una sirena o una alerta en la niebla de la memoria. Turn Again, la serie a la que pertenecen estos dibujos se puede leer de esta manera: la resistencia y la persistencia del dibujo.

Osman Botero

Yosman Botero (Cúcuta, Colombia, 1983) llena a Drawing con la Galería José Amar. En su obra destaca la crítica frente al aprovechamiento inadecuado de los recursos naturales a través de la minería, la manipulación de la información por parte de los centros de poder y las ansias desenfrenadas de enriquecimiento. Sin dejar de lado los problemas de Latinoamérica mientras propone salidas frente a la violencia.

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© Yosman Botero. Bucolic Landscape. 2019

A pesar de una temática tan dura, su obra está cargada de belleza. Utiliza técnicas como el dibujo, la pintura, la instalación, la escultura y el video para realizar creaciones donde la precisión y pulcritud de cada pieza evidencian al artista apegado a la técnica.

Su método de trabajo se podría definir como el estudio de la ecología de la guerra, en donde manifiesta un interés por aquellos paisajes que durante los conflictos bélicos sólo adquieren valor en la medida en que estos puedan ser un recurso para el enemigo.

Como cada año pasearemos por Madrid en una semana en el que el arte desborda la ciudad, mirando, observando, deglutiendo obras y artistas. Aprovechar para buscarnos en la mirada de quien mira, reunirnos con quienes hace tiempo que no tenemos cerca, y poner cara “real” a muchos que solo reconocemos virtualmente. Allí nos vemos.

Imagen destacada: © Mònica Subidé. Homenkollen, Man and reading, 2017.

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1 Respuesta

  1. El arco de los pintores y las flechas de los escritores.

    Cuando llegan las fechas del inicio de la feria de Arte Arco, que se celebra en Madrid, y que es prácticamente el único momento en que algunos españoles ven algo de arte, hay escritores que publican artículos venenosos contra el arte contemporáneo, o contra los artistas.
    En otros tiempos, los pintores y los escritores, eran amigos, y se ayudaban entre ellos. Por lo visto, ahora, el individualismo, y el sentido de la competición, acaba situando a unos contra otros.
    En algunos casos ha habido algún buen escritor que se ha referido a algunas obras de arte con un tono de desprecio o de burla, afirmando que aquello no tenia nada que ver con el arte.

    En un artículo en el que este autor escribía que había visitado en Londres unas salas de la Tate Modern, y allí había visto una especie de escoba, decía, que era presentada como una obra de arte conceptual de un artista joven, y en tono denigrante afirmaba, pontificando, que ya era hora de acabar con esta impostura y de presentar como arte unas cosas que eran incomprensibles y de nulo valor artístico.
    Se sentía defraudado, aunque reconocía que eran un éxito de público, por el gran número de visitantes del museo, y el gran interés que había por las obras expuestas.
    Estas son obras que hay que ver varias veces, con un ánimo sereno, y los ojos abiertos, reconociendo que sólo las personas con una percepción sensitiva, que puedan sentir empatía con el artista, podría apreciarlas, al menos, en parte.
    Yo tampoco entendí ” La casa verde”, la primera vez que lo leí.
    Al menos, esta obra había sido capaz de provocar la ira y el escándalo de un espectador, en este caso, un intelectual, como en su tiempo provocaban las obras de los impresionistas, en el Salon de Otoño, de París, y después provocó el primer cuadro cubista de Picasso, que fue atacado , o despreciado, por varios, entre ellos el mismo Vlaminck, que incluso escribió artículos contra esta obra, y otras del mismo artista.

    Hubo otro escritor, que redactó un artículo denigrante contra una obra de Piero Manzoni, en un tono burlesco. En este caso no era contemporánea, porque había sido realizada en el año 1960, pero era revolucionaria, escandalosa, en su época.
    Quizás algunos quisieran que estas obras se quedaran en un cuarto de baño, o en un sótano, y tuvieran un valor económico nulo, mientras que les molesta, a veces, que estén en los museos, e incluso que se vendan a un precio, que un empleado normal o un funcionario, tardaría 10 años en ganar.
    Son obras realizadas en poco tiempo, pero con un gran ingenio y talento, cualidades que no poseen los oficinistas ni los funcionarios.
    También hay un tipo que aparece en algún video, que presenta algunas obras y algunos artistas en un tono de burla y desprecio, denigrando la creación artística, los museos y las ferias de arte.

    Ahora que el mercado del arte, ha sufrido el castigo de las crisis, culturales, ideológicas y económicas, sería el momento de animar y colaborar en este esfuerzo y esta aventura, y que los escritores volvieran a ser amigos, de los pintores, artistas, creadores, y aventureros del ingenio altruista, con una inteligencia emocional, considerando que para tampoco es un momento favorable para los escritores ni los editores.

    Con varias formas de apoyo solidaridad, como era en otros tiempos.

    Los enemigos de la libertad de expresión siempre existen, y una prueba de ello la encontramos en un libro de un valor extraordinario, publicado recientemente por la historiadora de arte Nadia Hernandez Henche,” Picasso en el punto de Mira ” donde describe la represión, incluso persecución, y la violencia, que sufrieron varias galerías de arte y librerías, durante la dictadura, un estudio muy serio y riguroso del odio que puede provocar el talento, el ingenio, la creación artística y literaria, las culturas, sobre todo, si tienen éxito, en el país de la vulgaridad, y de todos contra todos.

    A veces , vemos textos que utilizan palabras y expresiones denigrantes cuando se refieren a creaciones artísticas, ignoran que detrás de estas obras ha existido una disciplina, un esfuerzo, un sacrificio, un heroísmo, a veces, y que algunas de las mejores obras de arte que están en los grandes museos han sido creadas en condiciones de precariedad, de soledad, de adversidad. El artista ha creído en su misión en la sociedad, y en muchos casos ha sufrido durante años la incomprensión.
    Hay que conocer la vida de estos artistas, su aventura existencial, la inseguridad en la que han vivido, y el enorme trabajo que han hecho sin expectativas de ganar casi nada a cambio, y a veces la explotación, de otros que han hecho negocios con sus obras.
    También hay que conocer las condiciones en las que se han hecho estos trabajos, y situarlos en su contexto original, sin despreciar el valor intangible que el mercado no les atribuye. Los textos que redactan muchos críticos y teóricos, son una aproximación interpretativa, que a veces no coincide con la verdad.
    Ahora la mayoría de las personas ven un arte contaminado, porque los colores de las pantallas son un artificio, de luz electrónica, que confunde la realidad original. Lo que vemos a través de los ordenadores o móviles no es lo que han hecho los artistas, sino una versión adulterada.
    Por eso es más importante ver las pinturas, esculturas, instalaciones, directamente, en vivo, aunque sea con la luz eléctrica de la iluminación de un espacio interior, porque en los espacios de esta feria, no existe apenas una luz natural.

    Hay que ser sensitivo, y tener percepción visual, educación estética, y conocimiento, para sentir el arte, en la mayoría de los casos, a parte de una preparación cultural, y algunos escritores no tienen estas cualidades.

    Santiago Palet

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