La Galería Patricia Acal y Art Madrid’15 un conjunto impecable

A1CFerias: ¿Porqué este elenco para Art Madrid?

G.P.A: El arte en todas sus manifestaciones debe emocionar a primera vista.Confío en ello al descubrir la obra de un artista. Necesito admirar su trabajo y encontrar en ellos el potencial suficiente, es muy gratificante apostar por un artista, apoyar su proyecto y que el tiempo consolide esa apuesta. Este es el caso de los artistas representados en la feria, grandes talentos junto a los cuales ha ido creciendo el proyecto de la galería.

© Andrea Chiesi | Galería Patricia Acal

A1CFerias: ¿Qué crees que supondrá para su trayectoria la participación en la feria?

G.P.A: La apertura a un público cada vez más amplio siempre va a ser positiva. La presencia en el circuito comercial de galerías y ferias es importantísima para la carrera de un artista, hay que estar ahí. Todos ellos participan de manera habitual en las principales citas internacionales del arte contemporáneo siendo imprescindible esta continuidad para afianzar el desarrollo de sus proyectos, la difusión y el reconocimiento de sus trabajos.

A1CFerias: Y como galería ¿qué expectativas tenéis en una feria consolidada como Art Madrid?

G.P.A: Una feria de arte contemporáneo como Art Madrid supone una plataforma extraordinaria para acercar a los artistas representados por la galería a un público más amplio además de ser una oportunidad única para descubrir nuevas propuestas. La gran oferta artística de la feria es enriquecedora para todos, artistas, coleccionistas, galeristas y público en general.

Creo que estamos en un punto de inflexión importante, el mundo del arte contemporáneo es muy dinámico y algunas fórmulas parecen estar ya agotadas, Hay que trabajar muchísimo en la difusión y el acercamiento del público al arte contemporáneo, esperamos que la feria suponga un nuevo paso adelante en ese sentido.

ARTISTAS

Mónica Dixon. New Jersey, EEUU. 1971. Vive y trabaja en Oviedo

En mi continua búsqueda y preocupación por la luz -en un dialogo constante que mantengo en toda mi obra entre luz artificial y natural- no busco el detalle, sino las referencias figurativas mínimas para crear sensaciones. En esa búsqueda he ido despojando el espacio pictórico de todo aquello que percibía como anecdótico. Personajes y objetos me importunaban; me distraían de lo que en realidad quería ver: el espacio pintado en sí mismo, la vibración de la luz en la atmósfera, la soledad esencial del escenario. A veces transitamos por lugares que vivimos sin saber qué guardamos de ellos. Transcurre el tiempo y no nos cuenta lo que en ellos ocurre, sino que nos lleva al abrigo de una tímida luz que conversa con nosotros. Porque la realidad que prevalecerá frente a nuestra evanescencia, no son los objetos individuales, ni su configuración particular en el espacio, sino el espacio en sí mismo y la luz que lo revela. El espacio como compartimento que describe la escenografía de la vida. El espacio en definitiva, no como mera construcción o vacío, sino como presencia.

© Mónica Dixon | Galería Patricia Acal

Andrea Chiesi. Módena, ITALIA. 1966. Vive y trabaja en san Pancracio (Módena).

Andrea Chiesi se forma en la contra-cultura de la música punk e independiente de principios de los 80. Comenzó dibujando para fanzines independientes y haciendo exposiciones en centros sociales. Sus obras de este período fueron creadas usando tinta negra y violeta sobre papel. Los personajes, figuras y espacios representados estaban conectados con el particular ambiente cultural que solía frecuentar. Posteriormente, comenzó a investigar sobre paisaje contemporáneo, el tiempo y la memoria empleando una cuidada y estudiada pintura al óleo que en ocasiones realza el tema industrial o el espacio urbano, pero en otras crea fuertes contrastes en blanco y negro gracias a la rápida transición de las situaciones de oscuridad a las de semiclaridad.

Ha simultaneado el uso de tinta en sus dibujos y la técnica de pintura al óleo, lo que ayuda a prestar atención a las diferencias entre dos mundos: el universo cambiante y fluido, en el primero, y el metafísico y atemporal, en el segundo.

© Andrea Chiesi | Galería Patricia Acal

Liane Katsuki. Entre Ríos, Bahia, BRASIL. Vive y trabaja en Madrid.

Estudia Bellas Artes en Salvador de Bahía y completa su formación en las Escuelas de Bellas Artes de París y Toulouse en Francia. Hoy día es considerada una diseñadora de joyas y escultora de alto nivel. Ha vivido en Francia, Brasil, Japón, Holanda y España donde reside actualmente. Con más de doscientas exposiciones entre individuales y colectivas, y en posesión de importantes premios como “De Beers Diamond” y “Perlas de Tahiti”, en joyería. “Escultura Pública”, “Caja de Madrid”, “Fumcisa” y “Majadahonda” con esculturas, entre otros. también prestó sus servicios a importantes diseñadores, entre ellos el francés Pierre Cardin.

© Liane Katsuki | Galería Patricia Acal

Ella misma expresa su visión del Arte de la siguiente forma: “….El artista es un precursor de su tiempo, de su momento histórico y social. Como tal, se siente responsable ante sus contemporáneos y, sobre todo, ante sí mismo. La coherencia de su trabajo, su creatividad no pueden estar disociadas de su visión del mundo. Tiene como misión la Verdad, caminando en línea recta y en soledad. No se concede ni respiro ni atajos. Ante los desafíos, en el triunfo y en el fracaso, ha de ir en pos de sus principios fundamentales. Mi trabajo está pensado y engendrado con emoción y equilibrio: Alma y cuerpo, corazón y razón. No me permito deslices técnicos. Por eso, busco la perfección dentro del lenguaje más puro de la técnica, respetando y domando los materiales que me permiten exteriorizar mi mensaje interior….” Actualmente, Liane Katsuki es presidenta de La Asociación Española de Joyas de Autor y es miembro del grupo artístico ProArte.

Tommaso Ottieri. Nápoles, ITALIA. 1971. Vive y trabaja en Nápoles
Arquitectura urbana, teatros, Iglesias, interiores y construcciones post-industriales conforman la iconografía de Tommaso Ottieri. El color, la luz y el movimiento son los elementos que definen su obra.

Ottieri se diferencia formal y conceptualmente. Intensifica los recursos dirigidos a los sentidos con altos niveles de habilidad técnica. Su pintura es extremadamente sugerente más cercana al romanticismo que a cualquier otra corriente clásica. Oscurece las sombras y transforma la luz en el eje de su pintura revelando en la ambientación nocturna y la iluminación dramática la influencia de Caravaggio.

© Tommaso Ottieri | Galería Patricia Acal

Característica común en muchas de sus obras es el uso de veladuras monocromas con un resultado increíblemente efectista que consigue la transparencia y el brillo del cristal a través del óleo y la encáustica. La perspectiva en las composiciones de Ottieri esta frecuentemente distorsionada, a veces parece mezclar ciudades diferentes, usa elementos arquitectónicos con libertad e individualidad y dota a la ciudad con formas ensoñadoras que favorecen la grandiosidad del resultado final. La visión de las escenas en profundidad, las amplias vistas aéreas, la estructuración mediante diagonales y la distribución de la luz configuran el espacio de manera dinámica, sin perder la armonía, abarcando al espectador.

Es imposible separar de su obra la influencia de su formación y etapa anterior como arquitecto. Quizá de aquí surge su deseo de proyectar una nueva versión inacabada del presente, como parte del progreso, como homenaje a la mayor creación del hombre.