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Un paseo por la Colección Permanente del Da2 y la Fundación Coca-Cola

Huellas, rastros e itinerarios en el Da2

Comisariada por José Gómez Isla, «Huellas, rastros e itinerarios» puede visitarse en el Da2 Domus Artium 2002 hasta el 22 de septiembre de 2019, la muestra acoge obras pertenecientes a las colecciones del DA2 y la Fundación Coca-Cola.

Las piezas que aquí se presentan abordan la temática del rastro, la huella o el itinerario desde planteamientos conceptuales y técnicos muy distintos, ya sea la pintura, la escultura, el dibujo, el grabado, la instalación, la fotografía, el vídeo o la performance.

Justamente la diversidad conforma la propuesta desarrollada por José Gómez Isla, quien a través de distintas secciones temáticas, compone un mapa poliédrico y múltiple altamente vigente.

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Angels Viladomiu.1997. Wanderlust IV. Colección Fundación Coca-Cola

En el libro “Postproducción”, el filósofo francés Nicolás Bourriaud subraya el eclecticismo cultural en el que estamos inmersos. Bourriaud propone, a través del análisis de diferentes artistas y sus obras, la posibilidad de adentrarnos en una de las cuestiones más importantes de la cultura de la posmodernidad: la exégesis hermenéutica.

Esta podría ser la mezcla que un DJ hace con distintas piezas para crear otra música, el sampleado que abre diversas texturas y sonidos en relación con aquello que era preexistente. Así es lo propuesto por el comisario de la muestra, profesor de dibujo de la Facultad de BBAA, quien “postproduce” a partir de una triple lectura de estas colecciones, una composición, un remix con el contenido de un itinerario que deja una huella indeleble.

En estas colecciones, la imagen es reflejo de una nostalgia, en este caso el álbum familiar es un eco de lo que rememoramos. Al ver esas imágenes recordamos lo acontecido con la misma fuerza que cuando pasó, la imagen recuerda (re-cuerda, vuelve a pasar por el corazón) lo que hemos vivido. Por eso la imagen es vestigio de una época, de un pasado al que representa. Y por otro lado la imagen es una huella, como en el caso del arte prehistórico lo son las manos sopladas de las cuevas, con ese papel mágico y mistérico donde se pretende que la huella prevalezca.

La muestra, así, ofrece una triple dirección de lo que ha dejado huella en la historia del arte y por supuesto ha prevalecido.

La exposición se estructura en tres bloques temáticos:

Huellas afectivas o emocionales. No son físicas, sino que en ellas interviene abiertamente nuestra relación con los demás. Esta sección plantea huellas invisibles con un alto contenido psicológico, nos habla de los posos que dejan los demás en la piel, en nuestro cuerpo, de aquellos vínculos que nos unen.

Huellas sobre el territorio. Plantean la dicotomía de saber quién domina a quién, si es la naturaleza al hombre o es el hombre el que domina. Esta sección tiene un alto contenido social y cultural. La obra de Xuxo Lobato, El Camino “Paisaje intervenido” 1996, en la fotografía aparece al final, un camino rural que es un viaje entre lo que el hombre crea y lo que la naturaleza se encarga de crear. Siempre hay vida natural en los lugares más insospechados, la naturaleza se impone con su orden natural, con las leyes visibles e invisibles que la rodean.

Huellas plásticas. Aquellas donde el proceso creativo plástico es fundamental para trazar composiciones, itinerarios de las técnicas tradicionales de la pintura, de la escultura y de las instalaciones. Permite trazar la materia desde lo gestual, con trazos, líneas, chorretones, frottage, rasgados, encolados, estampados, montajes y superposiciones. Es el proceso artístico lo que importa más que el qué representa con toda su riqueza expresiva y gestual.

Lo que tienen en común estas colecciones es que abordan la amplitud del arte contemporáneo y aquello que las singulariza es la atención a los soportes y formatos: mientras en la del Da2 se apuesta por más foto, performance y vídeo, en la de Coca-Cola hay pintura, dibujo y grabado en gran formato.

Al estructurarlas en estas tres huellas (afectiva, del territorio, plástica) se traza un recorrido por las tres salas en las que se encuentran ubicadas, (2, 3 y 4) por lo que empezaremos en la sala 2 con las huellas afectivas, pasaremos por la sala 3 con el territorio y terminaremos en la sala 4 con las huellas plásticas; estando esta última profusamente cargada de obras.

Los textos explicativos de las obras pertenecen a escritos del comisario de la muestra José Gómez Isla.

Comenzaremos nuestro recorrido por la sala 4 donde lo importante es el cómo, el proceso plástico más que lo que cuenta, es la técnica pictórica de los chorretones de pintura, los frottages, los estarcidos, los rasgados, los troquelados y demás los que marcan un proceso artístico que hace la impronta del arte y su devenir pictórico.

Javier Riera

«La obra de Javier Riera plantea un diálogo constante entre lo natural y lo cultural. Mediante formas geométricas que proyecta directamente con luz sobre el paisaje, este artista genera un contraste visual singular entre lo orgánico de la vegetación que le sirve como soporte de proyección y lo ordenado de la geometría que se incorpora al paisaje como una segunda piel de tiempo y de luz.

La intervención sutil y efímera que Riera produce sobre el territorio, y que no genera marcas agresivas ni permanentes en el paisaje, resulta sumamente poética y evocadora. Las huellas de sus intervenciones solo quedan registradas fotográficamente, en el momento y el lugar en el que han sido realizadas. Sin embargo, al generarse in situ, en el espacio real –sin manipulación o tratamiento digital alguno–, estas intervenciones entroncan directamente con las propuestas más puras del Land Art. Como el propio artista afirma, “la geometría es entendida aquí como un lenguaje natural anterior a la materia, capaz de establecer con ella un tipo de resonancia sutil y reveladora.»

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Javier Riera (Avilés, Asturias, 1964). ESC SC1 2014. Secuencia fotográfica / vídeo, 3 min
Colección DA2

«Esta pieza audiovisual ha sido producida mediante el montaje de una secuencia fotográfica realizada al amanecer. Durante el proceso de creación de la misma, los valores de diafragmado y velocidad de obturación de la cámara han permanecido fijos.

Su metodología de trabajo acentúa el carácter mecánico del proceso que ha ido registrando los cambios de luz a medida que el tiempo transcurría. El vídeo arranca con la pantalla en blanco de una imagen. A medida que la secuencia avanza, el paisaje emerge paulatinamente, sucediéndose diversos estados en los que la luz natural y la imagen proyectada conviven en un cierto equilibrio, para desembocar en un estado de completa oscuridad donde sólo la proyección es visible y el resto del paisaje prácticamente desaparece.»

Jorge Perianes

«Este artista lanza guiños constantes al espectador a través de un juego irónico con los propios soportes de la representación, a caballo casi siempre entre la pintura y la escultura. Tomando como motivo esencial los procesos vitales y cotidianos de la naturaleza, Perianes establece en esta obra un diálogo singular entre lo representado (una planta dibujada al estilo de los atlas victorianos de botánica) y la plaga de insectos xilófagos que se cierne de forma realista para devorar físicamente el soporte y, con él, el dibujo preciosista que parecía ser a priori el motivo principal de la obra. Jugando constantemente con el humor y el contrasentido, su obra se convierte en una reflexión sobre el fútil intento de perduración y eternidad de cualquier manifestación cultural humana.»

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Jorge Perianes (Ourense, 1974). Expansión IX (de la serie “Plantas”) 2007. Madera contrachapado, óleo y arcilla acrílica. Colección Fundación Coca-Cola

Olga Adelantado

«La obra de Olga Adelantado se centra en la experiencia de la subjetividad a la hora de articular sus propios códigos estéticos. En este caso, la pequeña pieza escultórica que se muestra nos proporciona una singular sensación táctil que nos invita a recorrer su volumen con la mirada. Aquí la impronta de los surcos y las arrugas que recorren la superficie del objeto cilíndrico, como si estuviese recién desempaquetado, nos invita a cuestionarnos acerca de la blandura o dureza del material con el que ha sido construido, evocando una sensación antigua que nos remite a ciertas experiencias en torno a lo cotidiano por vía de la sinestesia: en este caso es el ojo el que sustituye al tacto.»

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Olga Adelantado (Valencia, 1970). Sin título. 1996. Escayola y plástico. Colección Fundación Coca-Cola

Kate Bright

«Las obras de esta artista se centran en los detalles efímeros, en los fenómenos cambiantes. Sirviéndose del paisaje como motivo de disfrute estético, la artista suele representar aquellos aspectos de la naturaleza que a menudo se nos escapan por experiencia directa. En este caso las protagonistas absolutas de la obra son las ondas de agua, formas fugaces en movimiento constante que aquí son recreadas mediante ritmos pictóricos en alto contraste a los que les añade otra huella poderosa: la purpurina blanca y brillante. Con su incorporación, la autora consigue un efecto aún más vívido para emular los brillos producidos por los reflejos del sol en el agua; un efecto de deslumbramiento que va cambiando a medida que nos movemos alrededor del cuadro, al igual que también lo experimentamos en la naturaleza.»

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Kate Bright (Sufflok, Reino Unido, 1967). Warsow Water 2001. Acrílico y purpurina sobre lienzo. Colección DA2

Xavi Muñoz

«Este autor combina usualmente el dibujo a línea sobre fondo blanco con una mancha uniforme y brillante de color. Al incorporar cierto volumen a su obra, mediante el pegado de partículas de purpurina roja, tan característica trabajo, confiere a su obra un estilo rotundo y una impronta rápidamente identificable. Además de esta combinación cromática, austera pero eficaz, de blanco, negro y rojo, el artista también combina motivos y conceptos chocantes entre sí, cuando no contradictorios, como ocurre en el presente caso. Aquí la casa se convierte en árbol gracias a la sustitución de sus cimientos por raíces.

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Xavi Muñoz (Barcelona, 1975). Red Home 2010. Dibujo y escarcha de poliéster. Colección Fundación Coca-Cola

Sus propuestas oníricas beben a partes iguales del surrealismo y el arte pop, generando una poética tan particular que nos permite disfrutar de su trabajo tanto desde el entendimiento conceptual de sus metáforas como desde la sensualidad de sus pulcros acabados.»

Dentro de la sala 3 veremos esas huellas del territorio con un discurso casi ecologista tan necesario hoy en día. Encontramos artistas que intervienen la naturaleza físicamente como Lara Almancegui u otros como Punch que trabaja la fotografía en el estudio, es ahí donde construye la escena y la fotografía jugando con esa mezcla de realidad y ficción que tiene la imagen manipulada tras pasar por un trabajo de postproducción digital, hay otros trabajos que el artista elabora absolutamente recreando la ficción como el terreno de lo soñado. De Huellas sobre el territorio podemos resaltar el trabajo de Lara Almarcegui, quien interviene en él socavando la naturaleza y la diferencia entre lo natural y lo intervenido por ella.

En un trabajo más poético hallamos el de Ignacio Llamas que plantea como Arbus “un secreto acerca de un secreto».

Mónica Fuster

En esta obra de Fuster hay una construcción manipulada en medio de una salina que dibuja como un copo de nieve gigante con bolas gigantes. Nos habla de la representación imaginada del territorio y de esa búsqueda de la belleza.

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Mónica Fuster. Levitaciones. 2010. Colección Fundación Coca-Cola

Ulrike Rosenbach

En la sala 2, dentro de las huellas afectivas, podemos encontrarnos tres vídeos de la artista Ulrique Rosenbanch (Alemania, Bad Salzdetfurth, 1943) con un trabajo de género en el que se cuestiona los vínculos afectivos de la madre y la hija, pero también el rol de madre y la pérdida de valores de la mujer dentro de ese planteamiento feminista al mismo tiempo que traza esa unión simbólica con la hija con esa venda con la que se envuelven.

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Ulrike Rosenbach. Envoltura con Julia 1973, 4:53 min. Colección DA2

«La artista lleva a cabo esta performance envolviendo su cuerpo junto al de su hija Julia, utilizando para ello una larga venda. El acto físico de sujetar, retener, envolver, juntar o atarse literalmente a otra persona, resulta un gesto propio de una iconografía asociada a la cultura feminista de los años 70 del pasado siglo XX. Movimiento que sería impulsado, entre otros artistas, por la propia Ulrike Rosenbach.

Con esta performance la autora representa de forma simbólica el vínculo afectivo que une estrechamente a madre e hija aunque, a su vez, como el reverso de una misma moneda, también simboliza la atadura y el encorsetamiento que supone para la mujer de esa época adoptar el papel tradicional de madre, con su consiguiente pérdida de libertades.»

Kaoru Katayama

«Buena parte de la obra videográfica de esta artista tiene carácter autobiográfico. En este caso, el vídeo muestra a la propia autora de pie, vestida de riguroso negro, como si estuviera de luto. Al poco entra en escena un charro salmantino, ataviado con su traje regional, y ejecuta en torno a ella un baile tradicional con castañuelas. Pero el gesto de dar vueltas su alrededor mientras baila no consigue provocar en ella ninguna reacción, sino tan sólo indiferencia. Kaoru construye con esta pieza una metáfora de la “incomunicación” humana, poniendo de relieve las barreras culturales e idiomáticas que provocan una absoluta falta de entendimiento entre personas pertenecientes a contextos sociales y culturales tan diferentes. Estos problemas de incomunicación terminan provocando una huella profunda, aunque invisible, un duelo personal ante la incomprensión del otro.»

Kaoru Katayama (Himeji, Japón, 1966). Ba-ji-toh-fuh (Cuando el viento del Este sopla al oído del caballo) 2006 Vídeo, 1’56’’. Colección DA2

Cristina Lucas

«Mediante una poética profundamente evocadora, que hunde sus raíces en la crítica feminista, el vídeo relata de forma simbólica e irónica la configuración del estigma social contemporáneo. Aludiendo a la incomprensión social de la que es objeto la protagonista, la autora recurre a la simbología del escarnio y el castigo público de otras épocas, como la decapitación (aunque en este caso haya sido sustituida por el pelo cortado con el hacha de un verdugo) o el emplumamiento con brea o pez al que se sometía a las mujeres juzgadas por hechicería o conducta moral inapropiada.

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Cristina Lucas (Jaén, 1973). Hacia lo salvaje 2012. Vídeo, 16 min. Colección Fundación Coca-Cola

Las huellas visibles del castigo, el pelo cortado (símbolo de la identidad femenina), el emplumamiento o la expulsión del mundo civilizado hacia el mundo salvaje, constituyen metáforas sutiles de otros tantos aislamientos y castigos sociales invisibles al que muchos son sometidos en nuestro mundo contemporáneo, bien sea por prejuicios culturales o patriarcales todavía muy arraigados.»

Rosemy Laing

Estas huellas psicológicas son de enorme impacto como vemos en esta imagen de Rosemy Laing. La mujer con traje de novia se lanza al vuelo en ese salto del ángel con pájaros volando, lo narrativo transcurre en el gesto del movimiento congelado y se confronta ese dolor desasosegante que tiene la protagonista, con la apertura del movimiento. Tal vez un mal augurio de su presente, que también lo es de un presente fotográfico, trazando el tiempo suspendido.

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Rosemy Laing. Bulletproofglass#3. 2002. Colección DA2

En estos rastros, huellas e itinerarios por los que hemos ido pasando, hay un eje vertebrador de toda la muestra, es la huella de la identidad, una reflexión crítica acerca de los vínculos que nos unen o no, la creación de los contextos naturales cooperativos o exclusivos del hombre con la naturaleza, nos comunica cómo somos, qué vínculos nos unen y nos separan, qué lazos tenemos con la naturaleza, los límites que nos separan de ella.

Esta identidad marca un contenido conceptual y técnico que nos va a hacer pensar en los códigos que lo representan, pero igual que hablamos de la identidad como huella de lo real, también traza los planos de lo que se desea de esa realidad con esa complejidad de líneas y trazos que marcan un itinerario hacia un lugar o un no lugar inventado, de ahí su revelación.

Un paseo que merece la pena explorar por su alto contenido expresivo, no exento en muchos casos de poética.

Imagen destacada: Foto: © Cristina García Camino.

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