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Semana del Arte 2019. Mujeres en la ferias de arte. 6 ferias. 6 artistas.

Las ferias de arte de nuevo en el punto de mira

Y es que como cada año, las artistas siguen estando en las ferias de arte más ausentes que presentes. La semana del arte madrileña se celebra del 26 de febrero al 3 de marzo, un momento inmejorable para descubrir artistas únicas.

No ha llegado el momento de recopilar datos y números, además eso lo hacen muy bien las compañeras de Mujeres de las Artes Visuales que en su informe sobre la Semana del Arte de 2018 dejaban bien claro el momento en que nos encontramos.

«En el total de artistas representadxs en la feria de ARCO18, solamente el 6% son artistas mujeres españolas. Únicamente un 34% de las galerías presentes en ARCO están lideradas por mujeres… La desigualdad  se consolida durante estos años con el 25% de presencia de mujeres artistas en la feria ARCO… Verificamos que las estructuras que toman las decisiones sobre la visibilidad, están lideradas por hombres, guiando la selección de lxs artistas a exponer y el consiguiente valor de las obras en el mercado.» explican desde Mav en su informe sobre 2018.

Quizá este año las cosas cambien o quizá no, juzgad vosotrxs mismxs. Y entre tanto os dejamos un pequeño recorrido con algunas de las artistas que veremos en las principales ferias de arte.

Magali Lara y Mónica Mayer en ARCO Feria

La galería bonaerense Walden presenta a dos artistas comprometidas con el feminismo. No se si buscado o no, pero el caso es que ahí las tenemos, Magali Lara y Mónica Mayer.

Magali Lara (Ciudad de México,1956) puede que no tenga una obra específicamente feminista, pero si una obra con voz de mujer que lucha para que las desventajas que sufren las féminas por razón de género dejen de existir. Lo que le ha realizar acciones y trabajos que tienen una clara deriva feminista. Sus pinturas, dibujos y fotografías intervenidas confieren al espectador la posibilidad de indagar y convertirse en auténticos investigadores buscando descubrir el misterio.

Mónica Mayer (México, 1954) está considerada una de las pioneras del arte feminista y la performance en México, hablar sobre ella es emocionarse, una de sus obras más reconocidas «El tendedero» trata sobre la violencia machista, la llevaría a cabo por primera vez en 1979, y la última en 2016, y en ambos casos con la misma lamentable actualidad.

 «el activismo feminista en el arte nos presenta el reto de cambiar las narrativas del pasado que nos han invisibilizado, actuar en el presente para alterar las estructuras de poder y hacia el futuro, produciendo materiales que permitan hacer una historia más completa de nuestro presente y creando vínculos con las nuevas generaciones de artistas feministas.» (extraído de la entrevista que concedió a Montaña Hurtado para la IV edición de Mujeres Mirando Mujeres)

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© Mónica Mayer. El tendedero

Sofía Echeverri en los One Project de ArtMadrid Feria

En esta edición el comisariado de los One Project de Art Madrid ha sido confiado en Nerea Ubieto.  No cabe duda de que la elección de Ubieto, conocida crítica y comisaria ha sido un acierto. Convencida de la necesidad de visibilizar a  las mujeres dentro del sector del arte genera interesantes planteamientos buscando el mayor alcance. En Art Madrid presenta  una propuesta realizada solo por mujeres artistas.

Nos ha gustado especialmente encontrarnos con Sofía Echeverri (Guadalajara, México, 1971),  cuya propuesta pictórica rebosa emoción plasmando su más cercana realidad en cada lienzo.

En una de sus últimas exposiciones  «Pedir la lluvia», a través de distintas disciplinas como la instalación, la pintura o la cerámica Echeverri proponía un escenario ficticio en el que las mujeres gozaran de la misma libertad que los hombres para los rituales ancestrales en México. Una fórmula para empoderar a la mujer que contradice la tradición al proponer que tambén las mujeres formen parte del a festividad alejadas de sus tareas habituales.

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© Sofia Echeverri. Trampland enano VII

En Art Madrid presenta obras de su serie Trampland. Paisajes diluidos, fragmentados entre  lo real y lo imaginario. Misterio que nos obliga a mirar una y otra vez en busca de nuevos espacios.

No queremos dejar de destacar a la fotógrafa Mária Švarbová (Eslovaquia, 1988) que presenta la galería Bat Alberto Cornejo. Un trabajo limpio que no solamente muestra la figura humana sino que captura el sentido de la psicología del sujeto, y que es, ante todo, de una belleza plástica innegable.

Pamen Pereira en JustMAD

En la que será su décima edición, la feria sigue apostando por propuestas de calidad con especial cuidado en lo paritario, no anda lejos el hecho de que Semíramis González sea codirectora artística de la feria.

Aún cuando la feria apuesta por destacar el arte emergente no deja de lado tampoco propuestas mas consolidadas como la que lleva Galería Trinta, que presenta entre otras a Pamen Pereira (Ferrol. A Coruña. 1963). La artista se mueve entre el dibujo, la pintura, la escultura, la instalación, la fotografía o el video, la disciplina parece ser lo de menos, mas bien se instala en aquello que le permite concretar el acto creativo.

Ese proceso de creación, fundido generalmente con la experiencia vital, está tremendamente vinculado a la Naturaleza de donde extrae la mayor parte de sus imágenes.

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© Pamen Pereira.

«Pamen altera los planos y las normas de representación para construir un mundo onírico, un simulacro donde lo real y lo imaginado se funden y confunden para ocasionar semblanzas, sucesos y testimonios. El caos se ordena en una disposición armónica de elementos, una danza alquímica que llena de alma la materia. El cuento entonces, abre sus tapas y comienza a materializar sus líneas escritas» alegaba la comisaria Paula Cabaleiro cuando en 2016 la presentaba en Mujeres Mirando Mujeres.

Lula Goce en Urvanity

El street art es quizá una de las disciplinas en las que más cuesta encontrar artistas mujeres,  el uso del espacio público es quizá una de las formas más potentes de dar visibilidad y empoderar a la mujer.

Hay que irse hasta la parisina NextStreet Gallery para encontrarnos en su propuesta para Urvanity a  Lula Goce (Baiona-Pontevedra, 1976). La artista, convertida ya en un referente a nivel europeo, se sigue sorprendiendo cuando mientras anda subida a la grúa junto a su ayudante (hombre) la gente se dirige a él para preguntarle sobre la obra, como si los papeles fueran a la inversa.

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© Lula Goce. Sleeper

En su trabajo Goce busca la reacción del transeúnte como parte de la obra misma. Sus pinturas hiperrealistas sorprenden al tiempo que enamoran. Su interés por el carácter efímero de sus intervenciones es vital. Las crea, se deterioran y al final son borradas por el tiempo.

Eleonora Manca en Hybrid Art Fair

La feria ya destacó el pasado año por ser una cuyas propuestas fueron más paritarias. Es la única que continúa con el formato de hotel durante la Semana del Arte. En esta edición repiten una fórmula que, sin duda, les ha atraído un público joven y entusiasta.

Fotógrafa y videoartista, Eleonora Manca (Lucca, Italia. 1978) presentada por Studio38 Contemporary Art Gallery. La artista crea vías de interpretación entre imagen y palabra. Su obra gira en torno a los temas de la metamorfosis y la memoria del cuerpo.

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© Eleonora Manca. About to be Said.

Para la artista «Cada cuerpo es memoria y esa se estratifica de tal manera que, cada acto que hacemos, está inevitablemente enlazado a los recuerdos que el pensamiento consciente tiene la tendencia a anular, pero que se detienen inatacables en el cuerpo. Mientras la mente opera según acciones de conocimiento y de remoción, el cuerpo no olvida nada y cada acontecimiento, cada pensamiento, cada mirada, cada palabra, se queda en las propias células. El idioma del cuerpo es por lo tanto el inexplicable lenguaje de la memoria»  

Irene González en Drawing Room

Presentada por la Galería Silvestre, Irene González (Málaga, 1988) repite en Drawing Room. La obra de Irene González seduce en cuanto la tienes delante.  La melancolía, el individuo y cierta forma de memoria o recuperación de lo perdido son base de su relato.

Sus dibujos en blanco y negro son de un realismo impactante.  Escalas de grises que producen personajes y lugares muchas veces anónimos extraídos de fotografías antiguas.

La luz marcando efectos y recuerdos. De cómo éramos, de cómo somos. Imágenes pensadas y repensadas convertidas por la autora en piezas que utiliza para hablar de sí misma a través de lo ajeno y con las que nos  traslada a espacios que nos resultan familiares e inquietantes.

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© Irene González. El instante y la huida, 2018. Galería silvestre, Madrid

«Imágenes de referencia de muy distintas fuentes (fotografías que he hecho yo, fotografías antiguas, familiares, encontradas…) de las que tomo alguna parte, por mínima que sea, que voy ensamblando con otras para terminar con un collage fotográfico que me servirá de punto de partida para empezar a dibujar», ha explicado González.

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